Dipingere il paesaggio italiano: quello che vedo e quello che resta sulla tela
Dipingere il paesaggio italiano: quello che vedo e quello che resta sulla tela
Il paesaggio italiano non ha bisogno di presentazioni. Lo conosciamo tutti, lo abbiamo visto in migliaia di foto, cartoline, sfondi del telefono. Ed e' proprio questo il problema: a furia di vederlo riprodotto, rischiamo di non guardarlo piu. Un pittore che dipinge il paesaggio italiano nel 2027 deve fare i conti con questa saturazione. Non basta rappresentare un luogo bello — bisogna restituire qualcosa che la fotografia, per quanto brava, non riesce a catturare.
In questo articolo ti racconto come lavoro con il paesaggio: i luoghi che dipingo, la differenza tra quello che vedo e quello che finisce sulla tela, e perche' il paesaggio resta uno dei soggetti piu richiesti tra le opere che realizzo e le commissioni che ricevo.
Il paesaggio non e' una cartolina
La prima cosa che dico a chi mi chiede un paesaggio su commissione e' questa: non ti faccio una cartolina. Una cartolina mostra un luogo nel suo momento migliore, con la luce perfetta, senza difetti, senza ambiguita'. E' un documento turistico, non un'opera. Un quadro fa il contrario: prende un luogo e lo filtra attraverso una sensibilita' specifica. Il risultato non e' piu fedele della foto — e' piu vero. Perche' contiene anche quello che la foto non registra: il calore dell'aria, il rumore del vento, la sensazione di stare li in quel momento.
Quando dipingo un paesaggio, non cerco di copiare quello che vedo. Cerco di dipingere quello che sento stando in quel posto. La differenza sembra sottile, ma cambia tutto: il colore, la composizione, il taglio, i dettagli che restano e quelli che spariscono.
I miei luoghi: dove vado a cercare i soggetti
Non dipingo paesaggi generici. Dipingo posti specifici, che conosco, dove sono stato piu volte in stagioni e ore diverse. I soggetti che tornano piu spesso nei miei quadri vengono da tre zone che frequento da anni.
La costa ligure tra Camogli e Portofino. Quella striscia di costa dove le case colorate scendono verso il mare e la vegetazione mediterranea arriva fino all'acqua. Non e' il mare aperto che mi interessa li — e' il confine tra terra e acqua, quel punto dove la roccia diventa scoglio e lo scoglio diventa onda. La luce in Liguria ha una qualita' particolare: il mare la riflette dal basso e i monti la bloccano dall'alto, creando un contrasto tra zone illuminate e zone in ombra che non trovi da nessun'altra parte. Dipingo spesso le Cinque Terre e il promontorio di Portofino, ma quasi mai dal punto di vista della cartolina — preferisco gli angoli laterali, le viste da sentiero, le prospettive che i turisti non fotografano perche' non sono "instagrammabili".
Le colline toscane tra Volterra e San Gimignano. La Toscana e' il paesaggio italiano per eccellenza, quello che tutto il mondo associa all'Italia. E' anche il piu difficile da dipingere senza cadere nel cliche'. I cipressi, le colline ondulate, i campi di grano: e' tutto gia stato dipinto mille volte. La mia strada per uscire dal cliche' e' concentrarmi sulla luce specifica di certi momenti — la mezz'ora prima del tramonto, quando le ombre si allungano e i colori virano verso l'arancione e il viola, oppure le mattine di novembre con la nebbia bassa che taglia le colline a meta'. La Toscana generica non mi interessa; mi interessa la Toscana di un martedi' di ottobre alle 17:30.
La pianura padana intorno a Brescia. Questo e' il paesaggio meno ovvio dei tre, e forse quello che sento di piu perche' e' dove vivo e lavoro. La pianura padana non ha la bellezza immediata della Liguria o della Toscana. E' piatta, spesso grigia, a volte monotona. Ma ha una luce che non esiste da nessun'altra parte d'Italia: una luce diffusa, velata, che in certe giornate invernali rende tutto morbido e senza ombre. I filari di pioppi lungo i canali, i campi di mais tagliati a settembre, le cascine isolate con i tetti bassi — sono soggetti che sembrano poveri ma hanno una dignita' silenziosa che mi commuove ogni volta. La pianura non si impone: si offre, e sta a te decidere se guardarla.
Dalla foto al quadro: cosa cambia
Quando trovo un soggetto che mi interessa, faccio delle foto. A volte decine, a volte centinaia. Le foto mi servono come riferimento, non come modello. Il passaggio dalla foto al quadro e' il cuore del mio lavoro, e funziona cosi.
Il taglio cambia. La foto registra tutto quello che sta dentro l'inquadratura. Il quadro seleziona. Un albero che nella foto e' insignificante puo diventare il centro della composizione. Un palazzo che nella foto domina la scena puo sparire del tutto, perche' non aggiunge niente al racconto. Taglio, sposto, elimino, aggiungo. Il quadro non e' una copia della foto con i pennelli — e' una riscrittura.
I colori cambiano. La fotocamera registra i colori fisici — la lunghezza d'onda della luce riflessa dagli oggetti. Ma i colori che noi percepiamo quando siamo in un luogo sono diversi: li filtriamo attraverso l'umore, la temperatura, la stanchezza, l'emozione del momento. Un tramonto che nella foto e' arancione e azzurro, nella memoria e' piu caldo, piu rosso, piu intenso. Io dipingo i colori della memoria, non quelli della fotocamera. Questo non significa inventarli — significa esagerarli nella direzione giusta.
Il tempo cambia. Una foto congela un istante. Un quadro puo contenere un'ora intera, o una stagione. In un paesaggio dipinto posso avere la luce delle cinque del pomeriggio nel cielo e le ombre delle sei sulla terra. Posso avere gli alberi di settembre e l'erba di ottobre. Questa liberta' temporale e' una delle cose che rendono un quadro piu ricco di una foto: non e' un istante, e' una sintesi.
I dettagli cambiano. La foto ha la stessa definizione ovunque (a meno che tu non giochi con la profondita' di campo). Il quadro ha zone di dettaglio e zone di vaghezza. Il primo piano puo essere preciso fino alla singola foglia; lo sfondo puo dissolversi in macchie di colore. Questo guida l'occhio di chi guarda: sa dove posarsi e sa dove riposare. E' un meccanismo che i pittori usano da secoli e che la fotografia, per sua natura, gestisce con piu difficolta'.
La luce italiana: perche' e' diversa
Se c'e' una cosa che rende il paesaggio italiano diverso da qualsiasi altro, e' la luce. Non e' retorica: e' fisica. L'Italia e' tra il 36esimo e il 47esimo parallelo nord, con un mare grande al centro e montagne su tre lati. Questo crea una varieta' di condizioni luminose che pochi paesi al mondo possono offrire.
La luce del sud — Puglia, Sicilia, Calabria — e' alta, forte, senza mezzi toni. Le ombre sono nette, i colori saturi. E' la luce di Caravaggio, per intenderci. La luce del nord — la pianura padana, le prealpi — e' bassa, diffusa, piena di sfumature. Le ombre quasi non esistono nelle giornate di nebbia; tutto e' tono su tono, grigio su grigio, con una delicatezza che richiede attenzione per essere apprezzata.
Tra le due c'e' la luce del centro — Toscana, Umbria, Lazio — che e' forse la piu equilibrata e la piu amata dai pittori di tutti i tempi. Non a caso il Rinascimento e' nato li: quella luce e' naturalmente pittorica, con un contrasto morbido tra luci e ombre che sembra fatto apposta per essere dipinto.
Nel mio lavoro uso queste differenze come palette. Un paesaggio ligure ha una luce diversa da uno padano, e quella differenza si traduce in scelte di colore, di contrasto e di atmosfera completamente diverse. Non e' solo il soggetto che cambia tra un quadro e l'altro — e' l'aria.
La tradizione e dove mi colloco
Il paesaggio italiano ha una tradizione pittorica lunga quanto la storia dell'arte occidentale. Da Giotto ai vedutisti veneziani del Settecento, da Corot ai macchiaioli, da De Chirico a Morandi — ogni generazione ha guardato questo paesaggio e ne ha fatto qualcosa di diverso.
Io non vengo dal nulla. Le mie influenze piu dirette sono tre: i macchiaioli toscani dell'Ottocento (Fattori, Lega, Signorini), che per primi hanno dipinto il paesaggio italiano con una luce reale e non idealizzata; Giorgio Morandi, che ha dimostrato che un soggetto ripetitivo (le bottiglie, ma anche i paesaggi di Grizzana) puo essere infinitamente ricco se lo guardi con attenzione sufficiente; e alcuni contemporanei che lavorano sul paesaggio con un approccio che potrei definire "realismo emotivo" — non iperrealismo, non astrazione, ma un punto intermedio dove il luogo e' riconoscibile ma l'atmosfera e' personale.
Il mio contributo — se posso permettermi la parola — e' portare questa tradizione nel presente senza nostalgia. Non dipingo il paesaggio italiano per rimpiangere un passato rurale che non ho vissuto. Lo dipingo per guardare quello che c'e' adesso: i vigneti accanto ai capannoni, i cipressi con le antenne 5G sullo sfondo, le colline con i pannelli solari. Il paesaggio italiano del 2027 non e' quello del 1927, e fingerlo sarebbe disonesto.
Alcuni lavori dal mio catalogo
Tra le opere in galleria ci sono diversi paesaggi che illustrano quello di cui ho parlato.
Il primo e' un paesaggio ligure di medio formato (80x100 cm), dipinto dopo un viaggio a piedi sul sentiero tra Vernazza e Monterosso. L'ho realizzato a distanza di tre settimane dal viaggio, lavorando sulle foto ma soprattutto sulla memoria. I colori sono piu caldi di quelli reali, il mare piu scuro, la vegetazione piu densa. Non e' una veduta: e' la sensazione di camminare su quel sentiero con il sole sulle spalle.
Il secondo e' un grande formato (120x160 cm) di pianura padana invernale. Cielo grigio, filari di alberi spogli, un canale che taglia il quadro orizzontalmente. E' il paesaggio meno spettacolare che abbia mai dipinto, e uno dei miei preferiti. La difficolta' tecnica era rendere la varieta' di grigi senza cadere nella monotonia: ho usato 14 mescolanze diverse per il cielo, stratificate in velature successive per ottenere quella profondita' che il grigio piatto non ha.
Il terzo e' un paesaggio toscano al tramonto, formato 100x120 cm, con le colline intorno a Volterra. Qui il lavoro sulla luce e' stato il piu lungo: il passaggio dal giallo al viola nel cielo ha richiesto 8 strati di velature, ognuno con un'attesa di almeno 40 minuti tra uno e l'altro. Il risultato e' un colore che cambia leggermente a seconda della luce con cui lo guardi — di giorno sembra piu freddo, la sera con la luce artificiale diventa piu caldo.
Paesaggio su commissione
Il paesaggio e' il soggetto che mi viene chiesto piu spesso nelle commissioni. Le richieste sono di due tipi.
Un luogo specifico: la casa di famiglia in campagna, la vista dalla finestra della casa al mare, il posto dove ti sei sposato, il panorama che vedevi da bambino. In questo caso lavoro su foto che mi mandi tu, integrate con sopralluoghi quando possibile (se il luogo e' raggiungibile). Il risultato non e' una riproduzione fotografica — e' il tuo ricordo di quel posto, dipinto.
Un paesaggio generico ma con un'atmosfera precisa: "vorrei un mare, ma non troppo luminoso, con dei toni blu scuro e grigi". Oppure "una campagna con dei colori autunnali, senza case". In questo caso scelgo io il luogo, basandomi sul tuo brief, e lavoriamo insieme sui bozzetti fino a trovare la composizione giusta.
In entrambi i casi, i tempi sono quelli standard delle mie commissioni: 6-10 settimane dal bozzetto alla consegna, con aggiornamenti fotografici durante la pittura. I prezzi dipendono dal formato e dalla complessita', come per qualsiasi altro soggetto.
Se vuoi saperne di piu su come lavoro o vedere il processo completo di una commissione, puoi leggere l'articolo dedicato: Come funziona un quadro su commissione.
Guardare il paesaggio, ancora
Il paesaggio italiano e' ovunque, sotto i nostri occhi, tutti i giorni. Il rischio e' darlo per scontato. La pittura — la mia, ma anche quella di chiunque altro lavori con attenzione — serve a questo: a fermare lo sguardo, a dire "guarda qui, guarda meglio, guarda di nuovo". Non per nostalgia, non per decorazione, ma perche' certi luoghi meritano piu' di una scrollata di Instagram.
Se hai un luogo che ti sta a cuore e vuoi vederlo dipinto, scrivimi. Ne parliamo.
